Les réalisateurs les plus connus


Chaque génération donne naissance à ses propres idoles, à la fois en politique, en art et en musique. Parlons de 15 des cinéastes les plus influents de toute l'histoire de l'humanité, qui ont apporté la plus grande contribution et laissé la marque la plus marquante dans l'histoire de ce domaine de la créativité.

Et aujourd'hui, leurs chefs-d'œuvre restent aimés par des millions de personnes, car à un moment donné, ils ont transformé la conscience de nombreuses personnes, démontrant les nouvelles possibilités et la profondeur de l'art préféré de tout le monde - le cinéma.

Alfred Hitchcock (1899-1989). La renommée mondiale et la popularité de Hitchcock ont ​​amené ses peintures "Fenêtre à la cour", "Rebecca", "Vertiges" et autres. Ce sont eux qui ont permis au réalisateur d'être considéré comme un véritable "maître de l'horreur". La plupart des peintures d'Hitchcock sont des thrillers. La démonstration de ce qui se passe du point de vue du personnage principal est devenue la technique préférée du réalisateur, c'est à travers ses yeux que le spectateur peut observer la scène. Le réalisateur a accordé beaucoup d'attention au son - l'utilisation d'effets inattendus permettait de rehausser l'impression de ce qui se passait à l'écran. Alfred Hitchcock a réalisé 65 films et est devenu une légende vivante du cinéma. Les films "Birds" et "Psycho" sont devenus de véritables classiques de l'horreur. En 1967, il a reçu un "Oscar d'honneur", "Irwin Thalberg Memorial Prize", mais Hitchcock n'a jamais reçu un véritable Oscar pour son réalisateur. Le réalisateur est également connu pour ses camées - il est apparu dans de petits épisodes dans tous ses films ultérieurs.

David Wark Griffith (1875-1948). Aujourd'hui, peu de gens se souviennent généralement des intrigues des peintures de Griffith, mais il est entré à jamais dans l'histoire du cinéma, en tant que créateur du cinéma moderne. David est arrivé à la conclusion que la base de tout film devrait être l'intrigue et la technique de sa présentation. Le travail de ce réalisateur a fait du cinéma un art particulier. La plupart des films de Griffith sont des courts métrages. Il a tourné plus de 450 petits films. En collaboration avec Billy Bitzer, le réalisateur a introduit de nouvelles techniques de tournage: montage croisé, parallèle et court. La couronne de la carrière de Griffith était le film "La naissance d'une nation", il a tourné toute sa vie. Le tableau avait une saveur raciste prononcée, les membres du Ku Klux Klan y étaient exposés en héros. Cependant, les spectateurs sont allés en masse au cinéma et la cassette a finalement été interdite dans huit États américains. En 1935, l'American Film Academy décerne à Griffith un Oscar pour sa contribution au développement du cinéma.

Orson Welles (1915-1985). Les innovations de Griffith ont été affinées par Orson Welles. Le réalisateur est entré dans le cinéma après que sa pièce radiophonique "War of the Worlds" ait fait une impression étonnante. C'est alors que RKO Pictures lui a proposé un contrat. En conséquence, Wells a réalisé le film Citizen Kane, qui a ensuite été nommé meilleur film de tous les temps. Même pour le cinéma d'aujourd'hui, la technique utilisée semble alors moderne. Le réalisateur a poursuivi son travail en Europe, dans une tentative de trouver quelque chose de nouveau. Un trait caractéristique du maestro était l'utilisation de miroirs et d'ombres dans les films. Le rôle de Wells dans l'histoire du cinéma ne peut guère être surestimé; il est l'un des réalisateurs les plus ingénieux qui ont eu une influence notable sur le développement de cet art.

Jean-Luc Godard (né en 1930). La plus célèbre de la nouvelle vague française au cinéma. Son image "In the Last Breath" est considérée par beaucoup comme la première de l'histoire du nouveau cinéma. Le réalisateur a bravement violé les règles de tournage existantes. Il a utilisé une caméra portable et la lumière naturelle, ce qui a donné aux événements une impression de spontanéité et de documentaire. Mais les acteurs de Godard regardent constamment directement la caméra et les scènes sont nettes. Cela donne au spectateur l'occasion de comprendre que l'image n'est pas documentaire, mais artistique. Le fonctionnement de Godard se reflète le plus fidèlement dans sa phrase la plus célèbre: "Le film doit avoir un début, un milieu et une fin - mais pas nécessairement dans cet ordre." Le travail du réalisateur a joué un rôle important dans la formation de la jeune cinématographie des pays d'Europe de l'Est, d'Afrique et d'Amérique latine dans les années 60. Le rôle de Godard dans l'art est décrit avec précision par Jason Cliton d'Open City Pictures: «Dans le cinéma contemporain, Godard joue le même rôle que Picasso dans l'art contemporain - le rôle d'un casse-cou imprudent, d'un pionnier et d'un homme qui n'a peur de rien, qui veut tout essayer. et pour lesquels il n'y a pas de restrictions. "

John Ford (1884-1973). Le seul réalisateur à avoir remporté quatre Oscars. En outre, Ford était également écrivain. Le réalisateur s'est montré avec succès dans la cinématographie silencieuse et sonore, laissant derrière lui un riche héritage artistique. Selon beaucoup, son tableau le plus célèbre était "The Searchers". Les westerns "Stagecoach" et "The Man Who Shot Liberty Valance" sont emblématiques dans leur genre, mais Ford ne s'est pas limité à ce thème. Il a filmé le roman de Steinbeck "Les raisins de la colère", a fait le film "The Quiet Man" et s'est essayé au documentaire. Ses films "Battle for Midway" et "7 décembre" sont également très appréciés des téléspectateurs et des critiques. Ford est également devenu célèbre pour son amour du cinéma pour les prises de vue à longue distance. Au total, le réalisateur a tourné environ 130 films, accordant finalement le plus d'attention aux sujets suivants: l'Irlande, la patrie de leurs ancêtres, le développement de l'Occident et la vie quotidienne de l'armée américaine.

Stanley Kubrick (1928-1999). Il était l'un des cinéastes les plus influents du XXe siècle. La plupart des films du réalisateur sont des adaptations cinématographiques, dans lesquelles Kubrick a démontré à la fois des prouesses techniques et une nouvelle approche de la narration en général. Ses films sont empreints d'un esprit subtil. Kubrick a cherché à saturer les films avec un large éventail d'émotions, ce qui est une astuce assez difficile pour tout réalisateur. Les gens qui regardent ses films peuvent rire et pleurer sur la même chose. Le spectateur devient complice du film, vivant à égalité avec les personnages principaux. Le réalisateur aimait utiliser des métaphores dans ses films, donc parfois la compréhension de la véritable intention ne venait qu'après quelques vues. Stanley Kubrick s'est essayé dans divers genres - en plus des adaptations cinématographiques, sa biographie comprend également des films d'horreur et des films psychologiques. Le caractère unique du travail du réalisateur le place au-dessus de tout genre particulier, ses films ont créé leur propre niche créative - les films de Stanley Kubrick.

Sergei Eisenstein (1898-1948) n'a réussi à tourner que 7 films, mais son travail a eu une influence inestimable sur le cinéma moderne. L'un des films les plus impressionnants de tous les temps était son "Battleship Potemkin". La technique innovante du réalisateur a été utilisée dans ses autres films, mais c'est cette bande qui lui a permis de prendre sa place aux côtés de Wells et Griffin parmi les principaux innovateurs du cinéma. Eisenstein a de nombreux adeptes, dont le plus célèbre est Alfred Hitchcock.

Charlie Chaplin (1889-1977) est devenu la première superstar hollywoodienne. Cependant, ses succès sont associés non seulement au jeu d'acteur, mais aussi à la mise en scène. Toutes ses toiles étaient pleines, les films sans paroles de Chaplin permettaient aux gens de ressentir toute la gamme des sentiments. Le sujet des films du réalisateur était assez varié - il abordait des questions sociales et politiques. Si le cinéma muet cède rapidement la place au son, la technique de mise en scène et les manières de Chaplin ont une forte influence sur le cinéma. Woody Allen et Lloyd Kaufman se distinguent parmi les suiveurs du réalisateur.

Federico Fellini (1920-1993) était peut-être le cinéaste italien le plus célèbre. Son genre s'appelait le néo-réalisme. Au début, Federico était un simple scénariste et a aidé une autre légende du cinéma italien, Roberto Rossellini, sur les films Countryman et Rome - Open City. La plupart des films de Fellini reflètent ses propres rêves et non la dure réalité. Beaucoup ont essayé d'apporter de la simplicité au cinéma, mais ce sont les images de cet Italien qui ont su captiver des millions de téléspectateurs de cette manière. Fellini a créé son propre style inimitable et unique, entrant avec lui dans le trésor du cinéma mondial. Son film classique, La Dolce Vita, a d'abord attiré une presse en colère pour son portrait fidèle de la société moderne. Mais plus tard, le film est devenu le symbole d'une grande époque du cinéma italien, jetant les bases de la collaboration du réalisateur avec Marcello Mastroiani.

Steven Spielberg (né en 1946) a introduit le concept de blockbuster, qui est apparu avec la sortie du film "Jaws". Aujourd'hui, c'est Spielberg qui est le réalisateur le plus titré, tournant le plus grand nombre de films à gros budget. Ses films sont déjà devenus des classiques, il suffit de se souvenir de "Indiana Jones", "Schindler's List", "Jurassic Park". En 1999, Spielberg a été officiellement reconnu comme le meilleur réalisateur du 20e siècle, et en 2001, la reine Elizabeth de Grande-Bretagne l'a même fait chevalier pour sa contribution inestimable au développement de l'industrie cinématographique britannique. C'est Steven Spielberg qui est le réalisateur le plus rentable de l'histoire du cinéma - ses films ont rapporté près de 9 milliards de dollars. Il est curieux que les tentatives du réalisateur novice d'entrer dans l'école de cinéma de l'université aient été rejetées avec un CV: «Trop médiocre».

Martin Scorsese (né en 1942) est le représentant de la «nouvelle génération» qui a émergé à Hollywood dans les années 70. C'est l'un des piliers du cinéma moderne, il a pu élever le concept d'agression et de sexe à un nouveau niveau plus élevé. Scorsese n'est pas un agitateur de la violence, il la décore simplement d'une manière exquise. La scène de boxe dans le film "Raging Bull" est devenue l'une des plus spectaculaires et passionnantes de l'histoire. Scorsese préfère remplir ses cassettes de drames et d'épreuves de vie. Ses films sont souvent basés sur des événements réels. Le réalisateur a tendance à utiliser ses acteurs et assistants préférés encore et encore.

Akira Kurosawa (1910-1998) a laissé une marque significative dans l'histoire du cinéma mondial. Qu'il suffise de mentionner ses films, qui sont devenus la base des films hollywoodiens: "Seven Samurai" ("The Magnificent Seven"), "Bodyguard" ("For a Fistful of Dollars") et "Three Scoundrels in a Hidden Fortress" ("Star Wars"). Bien que Kurosawa ait tourné ses peintures au Japon, sa popularité dans son pays d'origine était moindre que dans le monde entier. Les compatriotes ont constamment critiqué les peintures d'Akira, et pour le monde entier, il est devenu la personne qui a montré une culture originale intéressante au monde entier. Les films de Kurosawa regorgent de points de vue philosophiques et il a également réussi à rapprocher la cinématographie de l'Est et de l'Ouest.

Ingmar Bergman (1918-2007) a créé un certain nombre de chefs-d'œuvre préférés du public, avec l'aide de l'actrice Liv Ullman et du cinéaste Sven Nykvist. La plupart des peintures de Bergman étaient autobiographiques, le réalisateur, avec ses films, racontait comment la vie d'une personne dépend d'une série de circonstances différentes. Ingmar a habilement utilisé l'introspection pour créer des peintures mémorables. Bergman ne reconnaissait pas les effets spéciaux et la lumière était son outil technique préféré. C'est avec son aide que les émotions des acteurs ont été démontrées et leurs secrets les plus cachés ont été révélés. Le thème principal du travail d'Ingmar est une personne abandonnée à elle-même et la recherche de véritables relations humaines. Bergman a également agi en parallèle en tant que directeur de théâtre, mettant en scène des pièces de Shakespeare et Chekhov.

John Cassavetes (1929-1989) est largement considéré comme le fondateur du cinéma indépendant américain. Cassavetes a commencé sa carrière dans cette industrie en tant qu'acteur et a utilisé l'argent gagné pour réaliser son premier film "Shadows". Dans ce document, aucun script n'a été utilisé du tout, et l'image est consacrée à un certain nombre de sujets interdits pour l'époque, y compris les relations interraciales. Voir le travail de Cassavetes demande beaucoup de patience. Le réalisateur lui-même n'a jamais appris aux acteurs comment agir, leur permettant d'être aussi naturels que possible. Cette approche a permis au réalisateur de créer les images les plus réalistes. Cassavetes a eu une énorme influence sur Godard, Scorsese et Rivette, qui ont développé plus tard ses idées.

Billy Wilder (1906-2002) est devenu l'un des réalisateurs et scénaristes les plus populaires d'Hollywood, bien qu'il soit né en Autriche et ne parlait pas anglais jusqu'à son arrivée en Amérique dans les années 30. Rares sont ceux qui ont réussi à répéter le succès du brillant réalisateur. Presque jusqu'à sa mort, Wilder est allé au bureau, créant de nouvelles idées. Ses films "Sunset Boulevard", "Lost Weekend", "The Apartment" sont appréciés des téléspectateurs du monde entier. Le palmarès du réalisateur comprend plus de soixante films et 6 Oscars. Les clés du succès, Wilder considérait un scénario bien pensé, des lignes bien ciblées et aphoristiques. Le réalisateur est devenu célèbre comme le plus grand maître de la comédie américaine, son film "Only Girls in Jazz" est en tête de la liste des meilleures comédies. Cependant, Wilder s'est souvent tourné vers des sujets atypiques pour Hollywood - la prostitution, les camps de concentration, l'alcoolisme et l'insignifiance de la vie.


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